La muestra titulada EDDAS, es un repaso a su obra reciente donde la artista se ha inspirado en los poemas medievales nórdicos del mismo nombre. Dichos poemas, que hablan del nacimiento de la tierra a partir de narraciones de carácter épico, se han convertido en los textos esenciales para conocer la mitología nórdica.

Paisajes reinterpretados con un carácter absolutamente personal serán el núcleo de la exposición donde podremos contemplar una síntesis de la obra realizada durante toda una vida dedicada a la pintura. Teresa Muñiz reinventa el paisaje alternando elementos orgánicos y geométricos tomados del constructivismo para formar imágenes muy en relación con el paisaje asturiano donde Muñiz pasó la mayor parte de su infancia.

Con una amplia trayectoria en el mundo del arte, ha cultivado diferentes técnicas pictóricas como el óleo, los acrílicos o la acuarela. Así mismo ha participado en el desarrollo de escenografías para ópera como “El Bosque de Sama” estrenado en el Real Coliseo de Carlos III de San Lorenzo de El Escorial.

La muestra permanecerá en exhibición hasta el 30 de abril.

De la mano de la Galería Rodrigo Juarranz ha estado presente en ferias tan importantes como Art Madrid o ESTAMPA en Madrid y PuroArte de Vigo, cosechado notables éxitos tanto por parte del público como de la crítica.

Mit Borrás viene avalado por su intensa carrera artística y se ha convertido en una de las apuestas más sólidas de la Galería Rodrigo Juarranz.

Actualmente tiene el estudio en Berlín donde cuenta con su residencia habitual.

Algunas imágenes de este artista:

Iluminaciones 1

En su obra aparecen artes tan diversas como la pintura, la escultura y el grabado. Domina todas ellas, habiendo obtenido premios tan importantes como el Nacional de escultura, en el certamen juvenil de artes plásticas de 1986. Su producción artística nos muestra desde las técnicas tradicionales, hasta elementos más modernos y actuales como la impresión digital sobre seda, que ha sido presentada por ña Galería Rodrigo Juarranz en las dos últimas ediciones de ESTAMPA, feria internacional de arte del grabado y la obra múltiple.

Animales y hombres lanzados en una pintura plenamente consciente de las propias posibilidades expresivas, se entremezclan en una vorágine de formas siempre tensas, casi neuróticas, a través de diversas modalidades técnicas, donde todo está invadido por el ansia de descubrir los límites del lenguaje con el cual habla al mundo. Un ímpetu de vida animista mueve a Luis Moro en la pintura, en una fusión interior entre animales y hombre, entre objetos y elementos naturales. La narración surge así, comprometida en la linealidad, fragmentada, desordenada, subordinada a la atención hacia aquel resplandor de vitalidad que a toda costa es necesario recrear.

Elementos zoomorfos se mezclan con otros geométricos en un espacio escenográfico. Es, entre otras cosas, el conocimiento de la naturaleza lo que impera en su obra, y es este conocimiento indispensable para el artista, como nos recuerda Don Juan Antonio Ramírez en “La Metáfora de la Colmena”. Así, Luis Moro parece  seguir las pautas de San Agustín:

“la belleza es el resplandor de la verdad; como el arte es belleza, sin verdad no hay arte. Para encontrar la verdad se deben conocer bien los seres de la creación”

No ve los objetos vivos con el interés de un científico en el laboratorio sino como un paseante en el campo. No es el microscopio sino la lupa su herramienta de trabajo. Introduce la naturaleza en el museo pero de una forma novedosa.

Así como Picasso considera que al nombrar el objeto lo hace existir, Moro al pintar las cosas las conserva.

“Soy un testigo de la naturaleza presente que tengo la obligación de conservarla para el futuro”

Esta es la línea que siguen las últimas obras que hemos presentado en Estampa, como por ejemplo, sobre el caballito de mar, especie en peligro de extinción.

Iluminaciones 2

El amor por los animales encuentra su culminación en la reedición del Dioscórides, traducido por Andrés Laguna en el siglo XVI, que Luis Moro ha querido ilustrar en conmemoración del quinto centenario del nacimiento del médico segoviano.

El neoexpresionismo derivado del arte alemán de épocas pasadas encuentra aquí, como en la obra de Miquel Barceló, uno de sus mejores referentes. En varias ocasiones la obra de Luis Moro ha podido considerarse como una copia de la del mallorquín, de no haber sido porque la datación de sus cuadros la precede en el tiempo.

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, se ha especializado en Grabado y ha realizando su tesis doctoral sobre “Arte Gráfico Actual: entre las técnicas tradicionales y la tecnología digital”. Su formación la ha completado con numerosos cursos y talleres entre los años 1997 y 2001. En la actualidad, tras haber cursado estudios en la Universidad de Nueva York, ha ubicado su taller en la misma ciudad.

Hasta ahora, su obra ha sido fundamentalmente gráfica y posee un currículo realmente envidiable. Ha obtenido numerosos premios de grabado como el “V” y “VI” Certamen de Arte gráfico” convocado por la Calcografía Nacional y la Casa de la Moneda (2000 y 2001), el 1º Premio en el “IV Premio de Grabado Contemporáneo”, convocado por la Dirección General de la Mujer de la Comunidad de Madrid en los años 1999 y 2004. Además recibió el premio de la Asociación de Críticos Madrileños a la Mejor Artista en ESTAMPA 2007.

Su obra se encuentra en diferentes lugares, como el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, Ayuntamiento de Madrid, Calcografía Nacional de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, o la Biblioteca Nacional de Madrid.

Vemos que su formación académica se refleja en su obra. Al igual que los antiguos griegos primero, el renacimiento después o las reinterpretaciones de la Tecné mimetiké durante los comienzos del siglo XX, Cristina Moroño parte de posiciones clasicistas que reinterpreta de forma brillante y absolutamente personal obteniendo una creación artística de gran carga emocional. Con claras influencias del informalismo español en sus primeras obras, personificado en las figuras de Tápies, Saura o Millares, pasa a un estadio mucho más minimalista y conceptual.

Dentro de la serie de las flores, Cristina Moroño, nos acerca a una poética donde el amor es el protagonista. Las flores, siempre en pareja, insinúan formas antropomórficas que danzan y se entrelazan tanto en sus raíces como en líneas magnéticas. El hombre nunca se concibe sin la intervención de la naturaleza.

En sus más recientes creaciones aparecen primero elementos naturales aislados, con los que más tarde se funden partes del cuerpo humano que sugieren un todo. Esto se traslada a formas únicas merced a la utilización de las técnicas más vanguardistas, como la impresión digital sobre metacrilato con fondo de grabado.

La naturaleza sugerida como un todo. En su evolución se disocia del hombre. Los dos elementos, hombre y naturaleza, caminan hacia una vida autónoma e independiente.